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Proyectos expositivos
Diseño proyectos expositivos desde la escucha y la negociación, integrando obras, contexto institucional y públicos como partes activas de un mismo proceso de construcción de sentido.
ANDANA. Lugares de memorias
La memoria y el olvido no son opuestos, entre ellos habitan cientos de historias y emociones. El olvido no es el antagonista de la memoria. Te has preguntado: ¿Qué quieres olvidar? o ¿Qué quieres recordar?
La memoria nos desafía, nos interpela en su construcción cotidiana, nos incita a revisitar el pasado. En situaciones de crisis, cuando nuestro entorno y nuestro calendario se ven transformados de un día para otro, nuestros referentes corren el riesgo de ser olvidados. Y entonces, más que nunca, se torna esencial el rescate del pasado como catalizador de memorias que nos permitan reconocernos y reconstruir el presente, para que en el futuro se recuerde quiénes somos y lo que vivimos.
La exposición “ANDANA. Lugares de Memorias” invita a un recorrido a través de itinerarios espacio-temporales que toman como hilo conductor acciones emprendidas por tres agentes tras la DANA del 29 de octubre en la provincia de València.
El primero de ellos rinde homenaje al voluntariado que acudió a la zona afectada tras la inundación. Su título, “Sois lo mejor”, remite a la consigna trasladada antes de fotografiarles y motivó la sonrisa que muestran estos catorce retratos seleccionados, siguiendo un criterio paritario. Las fotografías tienen su correlato en los testimonios de personas damnificadas entrevistadas en el marco del proyecto “Etnografía de emergencia”, que han permitido identificar las categorías discursivas que acompañan a cada imagen. Por motivos de confidencialidad hemos cambiado sus nombres y omitimos la localidad para resaltar el sentido de colectividad de todos estos rostros y testimonios, en representación de tantos otros.
Más adelante, en “Patrimonio embarrado” nos sumergimos en las fotografías y los álbumes familiares que muestran las huellas del lodo, recogidos en los laboratorios habilitados en Torrent, Alfafar, Algemesí, Utiel, Burjassot y Alaquàs por la iniciativa #SalvemLesFotos. Con el objetivo de salvaguardar las memorias colectivas se desplegó en estos espacios un gran equipo de voluntariado, en su mayoría mujeres, que acudieron a la llamada desde distintos puntos de España. A sus manos y su trabajo desinteresado hemos querido rendir tributo. Las imágenes agrupadas en hilos narrativos (ritos de paso, fiestas, generaciones y viajes) facilitan la identificación con estas trayectorias vitales y plantean que, su legado, es también colectivo.
En la última sección, “Relatos de la escuela”, un grupo de comisarías y mediadoras culturales (desde el Máster PERMEA) lleva su mirada a las comunidades educativas y centra su trabajo en el IES Berenguer Dalmau de Catarroja, ahora desplazado temporalmente al IES de Massanassa. En él se ha realizado un ejercicio de escucha consciente y sensible a las necesidades tanto de alumnado como profesorado para visibilizar un relato propio y situado de un grupo de adolescentes, con la intención de generar la memoria del futuro.
La memoria nos desafía, nos interpela en su construcción cotidiana, nos incita a revisitar el pasado. En situaciones de crisis, cuando nuestro entorno y nuestro calendario se ven transformados de un día para otro, nuestros referentes corren el riesgo de ser olvidados. Y entonces, más que nunca, se torna esencial el rescate del pasado como catalizador de memorias que nos permitan reconocernos y reconstruir el presente, para que en el futuro se recuerde quiénes somos y lo que vivimos.
La exposición “ANDANA. Lugares de Memorias” invita a un recorrido a través de itinerarios espacio-temporales que toman como hilo conductor acciones emprendidas por tres agentes tras la DANA del 29 de octubre en la provincia de València.
El primero de ellos rinde homenaje al voluntariado que acudió a la zona afectada tras la inundación. Su título, “Sois lo mejor”, remite a la consigna trasladada antes de fotografiarles y motivó la sonrisa que muestran estos catorce retratos seleccionados, siguiendo un criterio paritario. Las fotografías tienen su correlato en los testimonios de personas damnificadas entrevistadas en el marco del proyecto “Etnografía de emergencia”, que han permitido identificar las categorías discursivas que acompañan a cada imagen. Por motivos de confidencialidad hemos cambiado sus nombres y omitimos la localidad para resaltar el sentido de colectividad de todos estos rostros y testimonios, en representación de tantos otros.
Más adelante, en “Patrimonio embarrado” nos sumergimos en las fotografías y los álbumes familiares que muestran las huellas del lodo, recogidos en los laboratorios habilitados en Torrent, Alfafar, Algemesí, Utiel, Burjassot y Alaquàs por la iniciativa #SalvemLesFotos. Con el objetivo de salvaguardar las memorias colectivas se desplegó en estos espacios un gran equipo de voluntariado, en su mayoría mujeres, que acudieron a la llamada desde distintos puntos de España. A sus manos y su trabajo desinteresado hemos querido rendir tributo. Las imágenes agrupadas en hilos narrativos (ritos de paso, fiestas, generaciones y viajes) facilitan la identificación con estas trayectorias vitales y plantean que, su legado, es también colectivo.
En la última sección, “Relatos de la escuela”, un grupo de comisarías y mediadoras culturales (desde el Máster PERMEA) lleva su mirada a las comunidades educativas y centra su trabajo en el IES Berenguer Dalmau de Catarroja, ahora desplazado temporalmente al IES de Massanassa. En él se ha realizado un ejercicio de escucha consciente y sensible a las necesidades tanto de alumnado como profesorado para visibilizar un relato propio y situado de un grupo de adolescentes, con la intención de generar la memoria del futuro.
MIRAM. Exposició de Llibres d’Artista MAV
Mira’m, edición especial del Premi Jerònima Galés Llibre d’Artista, consolida la iniciativa como una plataforma esencial para la visibilización y el reconocimiento de la edición artística experimental realizada por mujeres en València. Ante la destacada calidad de las obras presentadas en años anteriores, en esta ocasión se ha realizado una selección especial atendiendo a las valoraciones y criterios compartidos por los jurados en convocatorias previas.
Esta exposición es un paso más para seguir tejiendo una genealogía de mujeres artistas que, como la impresora valenciana del siglo XVI Jerónima Galés, abren caminos en el campo de la edición, y nace del deseo de dar valor al libro de artista como una tipología de obra con historia propia: un ámbito de creación donde confluyen la palabra, la imagen, el cuerpo y el tiempo. El libro, espacio íntimo de experimentación sensitiva, formal y matérica. El libro como idea que trasciende al objeto, frontera conceptual, territorio emocional desbordado sin fin ni principio.
Inspiradas por esta naturaleza fluida, jugamos con la idea de que el libro de artista puede adoptar muchas formas — fragmentada, expandida, silenciosa o hablada — y aplicamos esta misma lógica al catálogo. En lugar de un único objeto, presentamos un archivo movible: una colección de postales, una por cada artista, donde palabras de las artistas acompañan fragmentos visuales.
Esta exposición es un paso más para seguir tejiendo una genealogía de mujeres artistas que, como la impresora valenciana del siglo XVI Jerónima Galés, abren caminos en el campo de la edición, y nace del deseo de dar valor al libro de artista como una tipología de obra con historia propia: un ámbito de creación donde confluyen la palabra, la imagen, el cuerpo y el tiempo. El libro, espacio íntimo de experimentación sensitiva, formal y matérica. El libro como idea que trasciende al objeto, frontera conceptual, territorio emocional desbordado sin fin ni principio.
Inspiradas por esta naturaleza fluida, jugamos con la idea de que el libro de artista puede adoptar muchas formas — fragmentada, expandida, silenciosa o hablada — y aplicamos esta misma lógica al catálogo. En lugar de un único objeto, presentamos un archivo movible: una colección de postales, una por cada artista, donde palabras de las artistas acompañan fragmentos visuales.
ON ESTÀ L’HACA?
On està l’haca es un proyecto expositivo que surge de una pregunta: ¿cómo habitar Casa Cuesa? La propuesta se aleja del formato tradicional del white cube para integrarse en un espacio con vida propia, lleno de objetos artesanos que funcionan como portadores de memoria, saberes y gestos. La casa no es un simple contenedor, sino el punto de partida y un agente activo dentro de la exposición.
El proceso curatorial se desarrolló desde el acompañamiento y el diálogo. Cada artista se encontró con “su” objeto o rincón dentro de la casa y, a partir de ahí, comenzó la construcción de la obra. La transformación del espacio se realizó colectivamente el día de la inauguración: el montaje se convirtió en un proceso vivo, casi performativo, un happening en el que compartimos materiales, ideas y acciones.
Durante la jornada cocinamos una paella que pasó a formar parte de la experiencia artística. Ese gesto cotidiano, junto con las acciones performativas, disolvió las fronteras entre artistas y público y permitió habitar la casa como comunidad, aunque solo fuera por un día.
On està l’haca propone al público experimentar, recorrer, buscar y jugar. La obra puede aparecer en los objetos, en los rincones de la casa o incluso en la mirada de quien la busca. Más que añadir piezas, activamos el lugar, dejando que hablara desde su propia historia.
Inspirado en Fluxus, el proyecto entiende el arte como experiencia, acción colectiva y juego. No solo se trata de mirar, sino de participar, de habitar el espacio y permitir que la exposición suceda.
El proceso curatorial se desarrolló desde el acompañamiento y el diálogo. Cada artista se encontró con “su” objeto o rincón dentro de la casa y, a partir de ahí, comenzó la construcción de la obra. La transformación del espacio se realizó colectivamente el día de la inauguración: el montaje se convirtió en un proceso vivo, casi performativo, un happening en el que compartimos materiales, ideas y acciones.
Durante la jornada cocinamos una paella que pasó a formar parte de la experiencia artística. Ese gesto cotidiano, junto con las acciones performativas, disolvió las fronteras entre artistas y público y permitió habitar la casa como comunidad, aunque solo fuera por un día.
On està l’haca propone al público experimentar, recorrer, buscar y jugar. La obra puede aparecer en los objetos, en los rincones de la casa o incluso en la mirada de quien la busca. Más que añadir piezas, activamos el lugar, dejando que hablara desde su propia historia.
Inspirado en Fluxus, el proyecto entiende el arte como experiencia, acción colectiva y juego. No solo se trata de mirar, sino de participar, de habitar el espacio y permitir que la exposición suceda.
RESIGNIFICACIÓN Y PERSISTENCIA
Resignificación y Persistencia invita a construir, a través de la costura, un espacio común donde el vínculo y la memoria colectiva se entrelazan. Numerosos hilos imperceptibles crean un tejido. De manera similar, el cuidado se lleva a cabo gracias al trabajo de mujeres que muchas veces pasan desapercibidas.
Esta exposición es el resultado de un proceso colectivo y colaborativo que reúne la documentación fotográfica, las propuestas del alumnado del IES Rafelbunyol y la colaboración de la Asociación de Amas de Casa TYRIUS, en torno a la instalación de Isabel Martí Clara. Su obra transforma el espacio expositivo en un refugio textil, cubriendo y abrazando la sala con un gran manto de sábanas gastadas, recogidas a lo largo de los años de vecinas, amigas y familiares. La costura, eje central de la muestra, se reconoce aquí como una herramienta de resistencia y creación que permitió a muchas mujeres artistas abrirse camino en el mundo del arte, trascendiendo su uso tradicionalmente doméstico y utilitario.
Tomamos como referencia a Mierle Laderman Ukeles y Helen Todd para reflexionar sobre el trabajo de cuidado no remunerado que las mujeres han desempeñado a lo largo de la historia. De la misma manera, invitamos al público a cuestionarse sobre el valor del cuidado en nuestras vidas y en la sociedad. Mirar al pasado es esencial para comprender las luchas que aún debemos sostener, en busca de libertad y de la posibilidad real de ser quienes deseamos ser.
DERIVAS GRÁFICAS
"Derivas Gráficas" emerge como una reivindicación del arte contemporáneo, destacando la vitalidad de jóvenes artistas y la relevancia continua del grabado.
Esta disciplina artística parece uno de esos libros que todo el mundo conoce pero ya no lee. Acumulan el polvo del tiempo transformándose en un fragmento del pasado.
La exposición colectiva, comisariada por Chiara Carzan y organizada por Aharon Alc ántara Sánchez tiene el propósito de desafiar la dicotomía entre técnicas “antiguas” y “modernas”.
El núcleo central de la propuesta reside en integrar la diversidad de las obras mediante la música. Esta decisión tiene como objetivo generar una experiencia interactiva e inmersiva, donde el espectador no solo observa las obras, sino que también las percibe auditivamente.
El recorrido de la exposición se estructura en dos conjuntos de obras, acompañados de manera continua por 5 canciones en versiones de piano.
En el primer conjunto, la pared se presenta como una partitura, y las obras cuelgan como notas musicales en sincronía con la canción "Yellow" de Coldplay.
Los espacios negros expresan los silencios de la composición.
En la segunda fase del montaje, esos momentos de silencio se completan con obras que ocupan esos espacios, añadiendo profundidad y significado a la experiencia visual y sonora.
En las paredes, se encuentran códigos QR que permiten acceder a la playlist, brindando una experiencia donde la visión y el sonido convergen de manera única.
Artistas:
Carmen Solves Garibo, Silvia Jiménez Cuenca, Sara López Sánchez, Lucia Cervantes, Barceló Paula, Clar Martí, Elena Prado (Muerta Jacinta), Aharon Alcántara Sánchez, Paula María Martínez Moreno, Eva Cascos Ibañez, Fátima Chamero Carrasco, Lucía Jiménez Angulo, Nuria Flores Moreno, Irene M. Maicas, Azu Aliaga, Xara, Takoking, Esther María Albero Martínez, Nerea Martínez de la Casa, Pérez
Esta disciplina artística parece uno de esos libros que todo el mundo conoce pero ya no lee. Acumulan el polvo del tiempo transformándose en un fragmento del pasado.
La exposición colectiva, comisariada por Chiara Carzan y organizada por Aharon Alc ántara Sánchez tiene el propósito de desafiar la dicotomía entre técnicas “antiguas” y “modernas”.
El núcleo central de la propuesta reside en integrar la diversidad de las obras mediante la música. Esta decisión tiene como objetivo generar una experiencia interactiva e inmersiva, donde el espectador no solo observa las obras, sino que también las percibe auditivamente.
El recorrido de la exposición se estructura en dos conjuntos de obras, acompañados de manera continua por 5 canciones en versiones de piano.
En el primer conjunto, la pared se presenta como una partitura, y las obras cuelgan como notas musicales en sincronía con la canción "Yellow" de Coldplay.
Los espacios negros expresan los silencios de la composición.
En la segunda fase del montaje, esos momentos de silencio se completan con obras que ocupan esos espacios, añadiendo profundidad y significado a la experiencia visual y sonora.
En las paredes, se encuentran códigos QR que permiten acceder a la playlist, brindando una experiencia donde la visión y el sonido convergen de manera única.
Artistas:
Carmen Solves Garibo, Silvia Jiménez Cuenca, Sara López Sánchez, Lucia Cervantes, Barceló Paula, Clar Martí, Elena Prado (Muerta Jacinta), Aharon Alcántara Sánchez, Paula María Martínez Moreno, Eva Cascos Ibañez, Fátima Chamero Carrasco, Lucía Jiménez Angulo, Nuria Flores Moreno, Irene M. Maicas, Azu Aliaga, Xara, Takoking, Esther María Albero Martínez, Nerea Martínez de la Casa, Pérez
ASTRONÒMIC
ASTRONOMIC es un recorrido por el universo a través de fotografías de objetos astronómicos, muchos de ellos invisibles al ojo humano. Solo mediante la instrumentación adecuada es posible captar detalles increíbles y acercarnos a objetos que normalmente no están a nuestro alcance.
La exposición está organizada en cuatro partes, cada una de ellas ofreciendo una perspectiva única del cosmos. En cada sección encontrarás códigos QR que te permitirán profundizar aún más en los contenidos y ampliar la experiencia.
En la primera parte, la visual, las impresionantes fotografías realizadas por la Associació Astronòmica d’Albuixech nos conducen a un viaje extraordinario por el universo, revelando su belleza y su inmensidad.
La segunda parte invita a la práctica y la interacción. Las láminas astronómicas de Alberto Rivas proponen una mirada creativa al cosmos. Además, hemos preparado un espacio especial para los más jóvenes —y para cualquier persona que desee expresarse— donde podrán dibujar sus propias estrellas y explorar objetos fascinantes como el astrolabio.
La tercera parte nos sitúa en un viaje histórico y teórico a través de los retratos de astrónomos y astrónomas realizados por Inma Palomino, que ofrecen una visión singular de la evolución del conocimiento astronómico a lo largo del tiempo.
Finalmente, la cuarta parte propone una experiencia inmersiva que invita a contemplar el firmamento de una manera completamente nueva, abriendo la puerta a la emoción y a la curiosidad científica.
La exposición está organizada en cuatro partes, cada una de ellas ofreciendo una perspectiva única del cosmos. En cada sección encontrarás códigos QR que te permitirán profundizar aún más en los contenidos y ampliar la experiencia.
En la primera parte, la visual, las impresionantes fotografías realizadas por la Associació Astronòmica d’Albuixech nos conducen a un viaje extraordinario por el universo, revelando su belleza y su inmensidad.
La segunda parte invita a la práctica y la interacción. Las láminas astronómicas de Alberto Rivas proponen una mirada creativa al cosmos. Además, hemos preparado un espacio especial para los más jóvenes —y para cualquier persona que desee expresarse— donde podrán dibujar sus propias estrellas y explorar objetos fascinantes como el astrolabio.
La tercera parte nos sitúa en un viaje histórico y teórico a través de los retratos de astrónomos y astrónomas realizados por Inma Palomino, que ofrecen una visión singular de la evolución del conocimiento astronómico a lo largo del tiempo.
Finalmente, la cuarta parte propone una experiencia inmersiva que invita a contemplar el firmamento de una manera completamente nueva, abriendo la puerta a la emoción y a la curiosidad científica.
REMEMORA
Rememora es un viaje cautivador hacia el pasado.
Ofrece una retrospectiva de la historia y la vida cotidiana de la localidad de Alboraya de hace más de 40 años a través de la lente única de Vicente Carrión Martínez. Una experiencia fotográfica inmersiva que va más allá de las fronteras geográficas y culturales, narrando la historia común de la humanidad a lo largo del tiempo.
La exposición presenta 60 fotografías capturadas por el artista personalmente a finales de los años 70 mediante métodos analógicos. Estas imágenes son tanto un tesoro de recuerdos como el resultado de un trabajo documental que nos ofrece una ventana al pasado.
Las fotografías se exhiben en una variedad de tamaños para fomentar la interacción del espectador, inspirándose en la idea de Merleau-Ponty sobre la relación entre espacio y percepción de la obra. Además, se ha realizado un área de co-creación que incluye documentos del Archivo Histórico de Alboraya y, sobre todo, brinda a los espectadores la oportunidad de compartir sus propios recuerdos de la época.
Por otro lado, la exposición se extiende por la localidad mediante lonas fotográficas en lugares emblemáticos, creando un puente visual entre el período histórico de las fotos y el presente.
Ofrece una retrospectiva de la historia y la vida cotidiana de la localidad de Alboraya de hace más de 40 años a través de la lente única de Vicente Carrión Martínez. Una experiencia fotográfica inmersiva que va más allá de las fronteras geográficas y culturales, narrando la historia común de la humanidad a lo largo del tiempo.
La exposición presenta 60 fotografías capturadas por el artista personalmente a finales de los años 70 mediante métodos analógicos. Estas imágenes son tanto un tesoro de recuerdos como el resultado de un trabajo documental que nos ofrece una ventana al pasado.
Las fotografías se exhiben en una variedad de tamaños para fomentar la interacción del espectador, inspirándose en la idea de Merleau-Ponty sobre la relación entre espacio y percepción de la obra. Además, se ha realizado un área de co-creación que incluye documentos del Archivo Histórico de Alboraya y, sobre todo, brinda a los espectadores la oportunidad de compartir sus propios recuerdos de la época.
Por otro lado, la exposición se extiende por la localidad mediante lonas fotográficas en lugares emblemáticos, creando un puente visual entre el período histórico de las fotos y el presente.
#Acciónplástica
La exposición #Acciónplástica está basada en el “Libro de Plástica para Todas la Edades” realizado por el Laboratorio de Creaciones Intermedia (LCI) - Departamento de Escultura UPV, comisariada por Martillopis y Chiara Carzan.
El objetivo es centrarse en al público pidiéndole que realice algunos de los ejercicios expuestos y así convertirse en el verdadero artista de la exposición.
A partir del libro, la exposición crea un laboratorio interdisciplinario y lúdico donde se pueda desarrollar la creatividad sin prejuicios, guiados únicamente con pequeñas reseñas de libre interpretación. En este sentido el proyecto no es unidireccional, sino que provoca diferentes lecturas y respuestas.
Aunque cada ejercicio tiene su propia asignación y número, la idea es crear un laberinto donde los espectadores puedan moverse libremente y exhibir sus proprias obras, además, a través del “Kiosko” los visitantes pueden aprovechar todos los ejercicios y otros que nacieron después del libro, y proponer nuevos ejercicios ellos mismos.
En este sentido, se quiere evolucionar con el tiempo creando una página donde los visitantes puedan subir las obras creadas durante y después la exposición, utilizando el hashtag #Acciónplástica.
El objetivo es crear una exposición virtual además de la física, por lo que el proyecto se divide en tres partes: el libro, la exposición y la versión virtual de la misma donde todos pueden exhibir sus obras.
El objetivo es centrarse en al público pidiéndole que realice algunos de los ejercicios expuestos y así convertirse en el verdadero artista de la exposición.
A partir del libro, la exposición crea un laboratorio interdisciplinario y lúdico donde se pueda desarrollar la creatividad sin prejuicios, guiados únicamente con pequeñas reseñas de libre interpretación. En este sentido el proyecto no es unidireccional, sino que provoca diferentes lecturas y respuestas.
Aunque cada ejercicio tiene su propia asignación y número, la idea es crear un laberinto donde los espectadores puedan moverse libremente y exhibir sus proprias obras, además, a través del “Kiosko” los visitantes pueden aprovechar todos los ejercicios y otros que nacieron después del libro, y proponer nuevos ejercicios ellos mismos.
En este sentido, se quiere evolucionar con el tiempo creando una página donde los visitantes puedan subir las obras creadas durante y después la exposición, utilizando el hashtag #Acciónplástica.
El objetivo es crear una exposición virtual además de la física, por lo que el proyecto se divide en tres partes: el libro, la exposición y la versión virtual de la misma donde todos pueden exhibir sus obras.
Desubicadas
11 de mayo, 2023. Rafelbunyol se convirtió en el epicentro de un proyecto artístico: Desubicadas. Esta iniciativa, impulsada por la Facultat de Belles Arts de la Universitat Politècnica de València, exploró nuevas formas de expresión artística para romper con los esquemas tradicionales. Desubicadas es un proyecto efímero, concebido bajo un concepto de fugacidad en el tiempo. Se monta y desmonta en un mismo día.
La exposición se compone de fotografías de objetos, de paisajes, cuerpos, sonidos y detalles. Todos ellos elementos que los artistas a la deriva consideraron relevantes. La participación en esta propuesta colectiva fue abierta a diferentes actores del mundo del arte: estudiantes de la Facultat de Belles Arts de la Universitat Politècnica de València del curso de Proyecto Expositivo junto a artistas locales y otros profesionales del espacio artístico. Ambos se unieron en un esfuerzo conjunto para materializar este proyecto colectivo. A la vez, la implicación del Ayuntamiento de Rafelbunyol fue decisiva, favoreciendo a los estudiantes del Bachillerato Artístico de la asignatura de Cultura Audiovisual del IES para que formaran parte de este evento. Ellos, de hecho, aportaron su mirada emergente y, por supuesto, su juventud atrevida.
Además la performance que nos brindó el grupo de artistas Nos Pascua generó preguntas entre las personas.
El proyecto se desarrolló en dos etapas, ambas complementarias. En primer lugar, se llevó a cabo una acción artística en vivo que tuvo lugar en diversos espacios del municipio con el objetivo de utilizar el entorno como fuente de inspiración. Los artistas, caminando por el pueblo y bordeando sus límites, capturaron instantáneas de pequeños gestos, pormenores, luces y sombras que reflejaban la esencia de Rafelbunyol y su gente.
La segunda parte del proyecto se llevó a cabo mediante el montaje de la sala en la Casa de la Cultura por parte de los propios artistas. La sala se dividió en varios espacios con el fin de que las fotocopias adquirieran diferentes formas. Utilizar la fotocopia como medio artístico no solo busca democratizar el arte, sino también enfrentar los límites del arte contemporáneo. En este sentido, frente a los convencionalismos, se propició un espacio para que los espectadores se sumergieran en la experiencia artística.
La exposición se compone de fotografías de objetos, de paisajes, cuerpos, sonidos y detalles. Todos ellos elementos que los artistas a la deriva consideraron relevantes. La participación en esta propuesta colectiva fue abierta a diferentes actores del mundo del arte: estudiantes de la Facultat de Belles Arts de la Universitat Politècnica de València del curso de Proyecto Expositivo junto a artistas locales y otros profesionales del espacio artístico. Ambos se unieron en un esfuerzo conjunto para materializar este proyecto colectivo. A la vez, la implicación del Ayuntamiento de Rafelbunyol fue decisiva, favoreciendo a los estudiantes del Bachillerato Artístico de la asignatura de Cultura Audiovisual del IES para que formaran parte de este evento. Ellos, de hecho, aportaron su mirada emergente y, por supuesto, su juventud atrevida.
Además la performance que nos brindó el grupo de artistas Nos Pascua generó preguntas entre las personas.
El proyecto se desarrolló en dos etapas, ambas complementarias. En primer lugar, se llevó a cabo una acción artística en vivo que tuvo lugar en diversos espacios del municipio con el objetivo de utilizar el entorno como fuente de inspiración. Los artistas, caminando por el pueblo y bordeando sus límites, capturaron instantáneas de pequeños gestos, pormenores, luces y sombras que reflejaban la esencia de Rafelbunyol y su gente.
La segunda parte del proyecto se llevó a cabo mediante el montaje de la sala en la Casa de la Cultura por parte de los propios artistas. La sala se dividió en varios espacios con el fin de que las fotocopias adquirieran diferentes formas. Utilizar la fotocopia como medio artístico no solo busca democratizar el arte, sino también enfrentar los límites del arte contemporáneo. En este sentido, frente a los convencionalismos, se propició un espacio para que los espectadores se sumergieran en la experiencia artística.
EL GRITO CONTADO
El ayuntamiento de Altea en colaboración con la universidad Miguel Hernández y la Universitat Politècnica de València inauguran la exposición colectiva EL GRITO CONTADO.
La exposición estará abierta al público del 17 de noviembre al 17 de diciembre de 2022 en la Casa Toni el Fuster
EL GRITO CONTADO QUIERE CONTAR UN CUENTO BOCA A BOCA, EN LA OSCURIDAD, lo que nos permite ir más allá de lo visual, nos permite trabajar con las manos, escuchar nuestras voces, oler nuestra esencia y saborear el momento.
Es por eso que se pide a los artistas y al público participante la parte positiva de ese grito que apenas se nos permite articular, desnudos como estamos ante la globalización donde el artista parece no existir, pues apenas se nos ve. Aprovechemos la ocasión para que se nos oiga, se nos huela, saboree y deguste.
Nos gustaría salir de la exposición con muchas dudas sí, pero con una sonrisa.
Hemos elegido ensombrecer las salas buscando la máxima oscuridad con el fin de provocar en el espectador esa imaginación a la que hacíamos referencia: “los cuentos se escuchan, pero no se ven”. Los espectadores recorrerán las salas con sus linternas del móvil, que iluminarán las obras e imaginarán todo o parte de aquello que las obras nos cuentan.
Los cuentos populares se oyen, se escuchan, se imaginan, pero no se ven. Van de boca en boca.
La exposición estará abierta al público del 17 de noviembre al 17 de diciembre de 2022 en la Casa Toni el Fuster
EL GRITO CONTADO QUIERE CONTAR UN CUENTO BOCA A BOCA, EN LA OSCURIDAD, lo que nos permite ir más allá de lo visual, nos permite trabajar con las manos, escuchar nuestras voces, oler nuestra esencia y saborear el momento.
Es por eso que se pide a los artistas y al público participante la parte positiva de ese grito que apenas se nos permite articular, desnudos como estamos ante la globalización donde el artista parece no existir, pues apenas se nos ve. Aprovechemos la ocasión para que se nos oiga, se nos huela, saboree y deguste.
Nos gustaría salir de la exposición con muchas dudas sí, pero con una sonrisa.
Hemos elegido ensombrecer las salas buscando la máxima oscuridad con el fin de provocar en el espectador esa imaginación a la que hacíamos referencia: “los cuentos se escuchan, pero no se ven”. Los espectadores recorrerán las salas con sus linternas del móvil, que iluminarán las obras e imaginarán todo o parte de aquello que las obras nos cuentan.
Los cuentos populares se oyen, se escuchan, se imaginan, pero no se ven. Van de boca en boca.
Entre los párpados, la flor.
La librería La Primera inaugura día 5 de mayo, la exposición “Entre los párpados, la flor” de l’artista Sara Montoya, comisariada por Chiara Carzan en colaboración con Javier Cruzado Huete.
Una exposición de obra gráfica que se nutre del bordado y de los objetos textiles ornamentales en su apariencia formal. La artista utiliza las sutilezas del blanco para hablar de la necesidad de inscribirse en el tiempo y del encuentro con el otro.
“Toda la mañana estoy queriendo hacer una guirnalda, pero las flores se me sueltan y se me caen”
El jardinero. R. Tagore.
Esta exposición es, entre otras cosas, un ejercicio de atención.
Aquí el tiempo reside en la mirada, que puede dilatar el presente, viajar al pasado o vislumbrar el futuro.
Entre los párpados puede nacer la flor: la flor insiste, inaugura de nuevo el tiempo y guarda toda la memoria y todo el olvido en su semilla.
La flor es el instante, el acontecimiento, pero también es recuerdo e imagen de si misma.
Una exposición de obra gráfica que se nutre del bordado y de los objetos textiles ornamentales en su apariencia formal. La artista utiliza las sutilezas del blanco para hablar de la necesidad de inscribirse en el tiempo y del encuentro con el otro.
“Toda la mañana estoy queriendo hacer una guirnalda, pero las flores se me sueltan y se me caen”
El jardinero. R. Tagore.
Esta exposición es, entre otras cosas, un ejercicio de atención.
Aquí el tiempo reside en la mirada, que puede dilatar el presente, viajar al pasado o vislumbrar el futuro.
Entre los párpados puede nacer la flor: la flor insiste, inaugura de nuevo el tiempo y guarda toda la memoria y todo el olvido en su semilla.
La flor es el instante, el acontecimiento, pero también es recuerdo e imagen de si misma.
PHOTO ROOM
La exposición colectiva PHOTO ROOM fue inaugurado en la librería La Primera (C/ de Guillem de Castro) en colaboración con alumnos y profesores de la UPV día 3 de marzo.
PHOTO ROOM quiere, a través del medio fotográfico, expresar la necesidad contemporánea de percibir el trabajo artístico en diálogo con el espacio.
Convencionalmente el espacio expositivo es el contenedor donde se exhiben las obras, en este caso sucede lo contrario, se intercambia el contenedor con el contenido.
Los sujetos de la exposición son por tanto “espacios sin obras”, los artistas expresan la propia arte tomando una foto de un sitio que encaja mejor su obra.
La idea es que cada artista muestre su propuesta artística fotografiando el espacio donde él siente que se refleja mejor su contenido y que, a la vez, nos hable de su arte.
Además, para crear un fuerte vínculo entre el lugar fotografiado y la obra, el título de cada foto será el título de la obra que el artista ha pensado para el espacio y su ficha técnica.
El objetivo es revalorizar el espacio pensando en él como obra en sí mismo, de manera que modifique el concepto expositivo habitual.
PHOTO ROOM quiere, a través del medio fotográfico, expresar la necesidad contemporánea de percibir el trabajo artístico en diálogo con el espacio.
Convencionalmente el espacio expositivo es el contenedor donde se exhiben las obras, en este caso sucede lo contrario, se intercambia el contenedor con el contenido.
Los sujetos de la exposición son por tanto “espacios sin obras”, los artistas expresan la propia arte tomando una foto de un sitio que encaja mejor su obra.
La idea es que cada artista muestre su propuesta artística fotografiando el espacio donde él siente que se refleja mejor su contenido y que, a la vez, nos hable de su arte.
Además, para crear un fuerte vínculo entre el lugar fotografiado y la obra, el título de cada foto será el título de la obra que el artista ha pensado para el espacio y su ficha técnica.
El objetivo es revalorizar el espacio pensando en él como obra en sí mismo, de manera que modifique el concepto expositivo habitual.
Come eri vestita?
La exposición "¿Cómo estabas vestida?", promovida por Amnesty International Milán y comisariada por Chiara Carzan, transforma la RIDE (Via Valenza 2) del 4 al 7 de junio en un lugar de memoria donde la ropa de 17 mujeres cuenta, junto con su palabras la violencia sufrida. El objetivo es crear empatía con el público a través de la ropa colocada frente a los espejos, implementando así un proceso de identificación.
"¿Cómo estabas vestida?" es una provocación, quiere desmantelar el prejuicio de que la víctima podría haber evitado la violación si hubiera llevado ropa menos provocativa.
El montaje, con varias instalaciones y el vídeo "" del director Michele Ciardulli, quiere decir en voz alta que ni la víctima ni su ropa tienen la culpa, son las acciones de los seres humanos las que tienen la culpa.
La exposición forma parte del proyecto del Kansas Center for Sexual Prevention and Training y el University of Arkansas Rape Education Center, llevado a cabo en Italia por la Associazione Libere Sinergie y ahora en manos de Amnistía Internacional con el objetivo de sensibilizar al público .
"¿Cómo estabas vestida?" es una provocación, quiere desmantelar el prejuicio de que la víctima podría haber evitado la violación si hubiera llevado ropa menos provocativa.
El montaje, con varias instalaciones y el vídeo "" del director Michele Ciardulli, quiere decir en voz alta que ni la víctima ni su ropa tienen la culpa, son las acciones de los seres humanos las que tienen la culpa.
La exposición forma parte del proyecto del Kansas Center for Sexual Prevention and Training y el University of Arkansas Rape Education Center, llevado a cabo en Italia por la Associazione Libere Sinergie y ahora en manos de Amnistía Internacional con el objetivo de sensibilizar al público .
INNESTO
Innesto [Novella pluriartistica] nace de una investigación inicial sobre la obra de Pirandello, con el objetivo de encontrar un puente entre el espacio expositivo y las obras.
La naturaleza, como en la comedia de Pirandello "El Graft", en la que la protagonista Laura renace después de una terrible violencia, es capaz de reponerse aunque sea continuamente ofendida por pasos humanos.
La exposición expresa un arte que cobra vida a partir de la madera y la fibra de la que está hecha, explora un sentimiento único que resuena desde el principio de los tiempos: el choque/encuentro entre lo humano y lo natural.
La conexión perenne entre la acción humana y la naturaleza es una evolución de sentimientos y pasos que, a veces, como en el caso de este espacio y tiempo, conducen a la creación de un arte que busca reflexionar sobre lo esquivo.
Al interactuar de manera diferente con el arte y la materia, cada artista se convierte en el matiz mismo del injerto.
La naturaleza, como en la comedia de Pirandello "El Graft", en la que la protagonista Laura renace después de una terrible violencia, es capaz de reponerse aunque sea continuamente ofendida por pasos humanos.
La exposición expresa un arte que cobra vida a partir de la madera y la fibra de la que está hecha, explora un sentimiento único que resuena desde el principio de los tiempos: el choque/encuentro entre lo humano y lo natural.
La conexión perenne entre la acción humana y la naturaleza es una evolución de sentimientos y pasos que, a veces, como en el caso de este espacio y tiempo, conducen a la creación de un arte que busca reflexionar sobre lo esquivo.
Al interactuar de manera diferente con el arte y la materia, cada artista se convierte en el matiz mismo del injerto.
MERCAT TACREM
Somos declive, degeneración, negocio, especulación,
aprovechamiento, utilización, industria, fraude...
El mercado, la plaza, la lonja, el zoco, el mercadillo, el rastro...
evocan sentimientos y sensaciones nostálgicas de ese contacto que día a día vamos perdiendo en nuestra sociedad.
Las primeras formas de comercio entre los hombres consistieron justamente en el intercambio de productos mano a mano, el trueque. Hoy ha evolucionado pasando a ser una transacción económica, pero en nuestra sociedad actual el mercado es lo más similar a ese contacto directo que era el trueque. Compramos naturaleza muerta para nuestra alimentación y subsistencia.
La exposición pretende hacer reflexionar sobre el automatismo que hemos generado en la alimentación y compra de los alimentos, olvidando el contacto mano a mano y el esfuerzo, dedicación y trabajo que hay detrás de cada uno de esos alimentos.
Se iniciará con una performance en la que participan 30 artistas emergentes, interactuando con los vendedores y compradores de dicho mercado el día 9 de mayo.
A continuación se montará una exposición con los vídeos de dicha performans, los productos obtenidos por un euro por cada uno de los artistas en dicho mercado y creaciones pictóricas artísticas de la naturaleza muerta. Pretendemos avivar la cotidianidad en el uso de dicho mercado para interaccionar con nuestros vecinos, nuestras gentes y no pasar a ser un anónimo más ni ser una nulidad en la sociedad
aprovechamiento, utilización, industria, fraude...
El mercado, la plaza, la lonja, el zoco, el mercadillo, el rastro...
evocan sentimientos y sensaciones nostálgicas de ese contacto que día a día vamos perdiendo en nuestra sociedad.
Las primeras formas de comercio entre los hombres consistieron justamente en el intercambio de productos mano a mano, el trueque. Hoy ha evolucionado pasando a ser una transacción económica, pero en nuestra sociedad actual el mercado es lo más similar a ese contacto directo que era el trueque. Compramos naturaleza muerta para nuestra alimentación y subsistencia.
La exposición pretende hacer reflexionar sobre el automatismo que hemos generado en la alimentación y compra de los alimentos, olvidando el contacto mano a mano y el esfuerzo, dedicación y trabajo que hay detrás de cada uno de esos alimentos.
Se iniciará con una performance en la que participan 30 artistas emergentes, interactuando con los vendedores y compradores de dicho mercado el día 9 de mayo.
A continuación se montará una exposición con los vídeos de dicha performans, los productos obtenidos por un euro por cada uno de los artistas en dicho mercado y creaciones pictóricas artísticas de la naturaleza muerta. Pretendemos avivar la cotidianidad en el uso de dicho mercado para interaccionar con nuestros vecinos, nuestras gentes y no pasar a ser un anónimo más ni ser una nulidad en la sociedad
FLUIDEXPO
Pensando en la condición humana desde diferentes perspectivas fuera de un sistema binario de géneros, impuesto por la sociedad se ha comenzado a cuestionar muchos aspectos de la existencia humana que a menudo se dan por adquirido.
De hecho, dentro de nosotros hay una parte femenina y una otra parte masculina. Desde la antigua Grecia podemos ver esta conciencia en el alma humana de una dualidad de género. Según el mito andrógino de Platón, los seres humanos no estaban divididos por género, cada uno de ellos tenía cuatro brazos, cuatro piernas y dos cabezas.
Si lo vemos desde un punto de vista más científico, todos tenemos genes masculinos y femeninos dentro de nuestro cuerpo, incluso si en diferentes porcentajes. La identidad sexual de un individuo no está establecida por la naturaleza y los datos biológicos incontrovertibles, sino únicamente por la percepción subjetiva de cada persona que será libre de asignar el género percibido, “orientando” su sexualidad de acuerdo con sus instintos y sus necesidades cambiantes.
Entonces, si dejamos de lado la idea de que ser mujer o hombre depende del sistema reproductivo y de la apariencia externa en general, podemos llegar a la idea del GÉNERO FLUIDO.
Regresando a Platón, si pensamos que dentro de nosotros hay diferentes componentes, todos los seres humanos son potencialmente fluidos de género.
A partir de estas consideraciones y de varias investigaciones, nació la exposición FLUID que quiere explicar el fluido de género de la mejor manera y con varios tipos de expresión artística
De hecho, dentro de nosotros hay una parte femenina y una otra parte masculina. Desde la antigua Grecia podemos ver esta conciencia en el alma humana de una dualidad de género. Según el mito andrógino de Platón, los seres humanos no estaban divididos por género, cada uno de ellos tenía cuatro brazos, cuatro piernas y dos cabezas.
Si lo vemos desde un punto de vista más científico, todos tenemos genes masculinos y femeninos dentro de nuestro cuerpo, incluso si en diferentes porcentajes. La identidad sexual de un individuo no está establecida por la naturaleza y los datos biológicos incontrovertibles, sino únicamente por la percepción subjetiva de cada persona que será libre de asignar el género percibido, “orientando” su sexualidad de acuerdo con sus instintos y sus necesidades cambiantes.
Entonces, si dejamos de lado la idea de que ser mujer o hombre depende del sistema reproductivo y de la apariencia externa en general, podemos llegar a la idea del GÉNERO FLUIDO.
Regresando a Platón, si pensamos que dentro de nosotros hay diferentes componentes, todos los seres humanos son potencialmente fluidos de género.
A partir de estas consideraciones y de varias investigaciones, nació la exposición FLUID que quiere explicar el fluido de género de la mejor manera y con varios tipos de expresión artística
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